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Me gustó. Es cierto que no le pongo más puntuación porque hay escenas icónicas que no aparecen pero, es una película que toca la fibra sensible y me quedo con eso.

Siempre he dicho que el cine me encanta porque me transmite diferentes emociones, me hacen sentir vivo. Este live action que me parece de los mejores que han hecho, me ha cautivado emotivamente y me ha hecho reír bastante.

Con esto, me ha ganado.

¿Podría haber sido mejor?

Totalmente, en muchos aspectos como he dicho omitiendo escenas emblemáticas de la peli original, tiene ausencias de personajes como Gantu y personalmente no me gustó el actor elegido para Cobra. Cobra se caracterizaba por ser alto y muy fuerte, este Cobra es de Teemu, lo único que resalta en él es que tiene bigote. Lo único que se parece a Cobra es que es negro y calvo, horrible elección.

En cambio, la elección de Lilo y Nani fue perfecta, 10/10

Película que tiene sus luces y sus sombras pero que merece la pena ver por supuesto. Ha sido como volver a la infancia, la magia del cine es que después de tantos años, Lilo y Stitch me ha hecho sentir las mismas emociones que cuando era pequeño aunque de una forma diferente.

Y esto, todo lo vale.

Nunca una película en el cine ha hecho una representación tan entrañable del concepto de familia.

Siempre recuerden que:

Ohana significa familia, familia que siempre permanecerá unida.

Realmente no la vi hoy sino ayer por la noche. Os estaréis preguntando porqué la he visto dos días antes cuando se supone que el estreno es el día 6 de Junio.

Pues no lo sé, pero vi que el cine de mi localidad estaba vendiendo las entradas y para allá que fuimos un amigo y yo, pensando incluso que había sido un error de la web pero nada más lejos de la realidad, ya hemos visto Ballerina la nueva película del universo de John Wick y estas son mis impresiones.

Una de las cosas que amo de estas películas es la creatividad a la hora de matar y el gore, cuanto más mejor, que sea lo más realista y explícito posible. Esto Ballerina desde un principio lo cumple a la perfección, me he divertido mucho viendo como Ana de Armas convertida en una asesina de élite acaba con sus enemigos utilizando diferentes medios a su alcance. Cualquiera y muy variopintos, muy original en este sentido. Ya aburre solo utilizar armas de fuego o las peleas cuerpo a cuerpo, debe haber más variedad y Ballerina es una oda armamentística, dejando escenas llenas de acción sublimes.

Hablando de Ana de Armas, nunca he sido muy fan de ella pero reconozco que me encantó. Se le ve en determinadas escenas muy poderosa, icónica y carismática.

La fotografía de la película es una delicia dejando momentos para la posteridad.

Dentro del universo John Wick, pondría esta Ballerina justo por debajo de John Wick 4. Es una fantasía de película mata-mata, es quitarte el cerebro, dejarlo a un lado y disfrutar. Conserva la esencia por completo de la saga algo que se agradece, con la única variante que cuenta una historia diferente que no es la de John Wick.

Es cierto que nada se puede comparar a John Wick pero, Ana de Armas no lo hace para nada mal. Además, se enfrenta para mí a uno de los mejores grupos de "villanos" de la saga.

Sin más, una película de acción memorable, un soplo de aire fresco a una saga que después de 4 películas, necesitaba variar.

7,5/10

PD: No tiene escena post crédito, no pierdan el tiempo como yo hice.

Realmente me gustó, es cierto que no tienen el carisma de los vengadores pero tampoco son un mal grupo.

Yelena me enamoró, tanto el personaje como la actuación de Florence Pugh. Esas interacciones que tiene con su padre Alexei (David Harbour) son oro, muy cómicas.

Tengo la sensación que es bastante introductoria y que llega un momento que se siente que todo ha pasado muy lento, aún así merece la pena verla.

Tiene buenas dosis también de acción, desde un principio además.

Vigía es lo más fuerte en cuanto a poder que he visto en el universo Marvel, me recuerda a Homelander de la serie The Boys pero aún más fuerte. Me gustó mucho el personaje en todos los aspectos.

Se vienen curvas, para ser una primera película de una saga cumplió y aprobó, que es lo que se busca.

6.5/10 le pondría como nota final.

Los Santos Inocentes, película de 1984 dirigida con maestría por Mario Camus basada en la novela de Miguel Delibes.

Nos muestra una España en pleno apogeo de la dictadura franquista, en la década de los 60. Los acontecimientos trasncurren en Extremadura, una zona de España tradicionalmente caracterizada por ser especialmente rural. Se nos presenta a una familia compuesto por Paco "El Bajo" (Alfredo Landa), Regula (Teresa Pávez) el hermano de Regula, Azarias que tiene discapacidad intelectual (Paco Rabal) y tres hijos, Nieves, Quirce y la niña chica, esta última con una enfermedad que le impide hablar, moverse y siendo una persona totalmente dependiente.

También contamos con un elenco de actores secundarios de lujo como Juan Diego (Señorito Iván), Agustín González (Don Pedro) entre otros.

Destacar notoriamente la actuaciones de Alfredo Landa y Paco Rabal.

Alfredo Landa uno de los actores más prolíferos y talentosos que ha dado nuestro país. No era alto, no era guapo, tenía una belleza rural típica española, pero lo que sí que tenía era carisma natural y cercanía con el espectador, transmitía, es una persona que solo viéndole te parece entrañable y engancha. Hay muchas personas en la vida que son guapas y altas, pero las facultades que él tenía, son innatas al alcance de muy pocos.

Paco Rabal, que actuación. En entrevistas él decía que le daba lástima que la gente se acordara de su carrera solo por lo que hizo en los Santos Inocentes. Por supuesto hay que valorar su trabajo en conjunto, pero la actuación que hace en esta película es de Óscar, que manera de meterse en el papel. Siempre he dicho, que los mejores actores son aquellos que te olvidas de la persona y te crees al personaje. En ese momento él no era Paco Rabal, era una persona con discapacidad intelectual llamado Azarias que tiene discapacidad intelectual, que bien lo interpretó, chapó.

Los Santos Inocentes, es una crítica social a la jerarquía social tan férrea que existía en España, donde había una clase social que por prácticamente derecho divino de haber nacido en una familia noble y pudiente determinada, ya tenía el derecho de tratar al resto como vasallos, rozando la esclavitud.

Después estaba en la persona de utilizar este poder que tenía con crueldad tratando a sus trabajadores como animales o darle un mero trato de servidumbre. Precisamente por este motivo, el personaje del señorito Iván cobra un papel importante en la obra, ya que es la personificación de desinterés y crueldad de la opresión hacía los oprimidos.

Paco y Regula desde que nacieron tienen asumido su destino. Resignados, no se quejan nunca, no dicen no, su frase favorita ante cualquier petición de sus señores por muy descabellada o falta de moral es:

Por supuesto, a mandar.

Su única esperanza es que sus hijos, la siguiente generación, se formen, tengan más posibilidades que las que ellos tuvieron y rompan con la rueda de la opresión, rompan con las cadenas de un sistema en el que una minoría utiliza sin escrúpulos a una mayoría, mirándoles por encima del hombro con desprecio, tratandoles como animales, como una especie inferior a ellos, se consideran totalmente invulnerables y por encima del bien y del mal.

Estos terratenientes, para limpiar su conciencia, dan limosnas y migajas a sus súbditos, para después abusar de ellos de cualquier forma imaginable.

Uno de los recursos que me gustaron de la peli es que antes de contar una trama te pone el nombre del personaje y una imagen suya, a cada miembro de la familia le da su momento y protagonismo, haciendo un flashback en el tiempo, desde el presente a recordar tiempos pasados. Destacar la fotografía y planos de la misma, espectaculares.

Nieves y Quirce tienen una actitud diferente a la de sus padres. Ellos no agradecen las migajas, las desprecian. Hacen lo que tienen que hacer porque no les queda más remedio, pero con dignidad y la cabeza alta, sin florituras ni adulaciones, tienen claro que ellos no quieren una vida igual que a la de sus padres, quieren ser libres de sus vidas y decisiones, no que dependan constantemente de un grupo de señoritos maleducados y caprichosos.

Si tuviera que mencionar las emociones que me transmitió la película lo tendría claro: Rabia, impotencia y pena. Es increíble como Mario Camus supo reflejar bien la sociedad de la época, también es cierto que la obra se rodó en el 84, habían pasado 24 años, por lo que todavía estaba en el recuerdo colectivo reciente. Aún así, no le quito méritos ni mucho menos.

Me gustó mucho la escena final en la que se ve una banda de pájaros surcando los cielos, sin tiros, sin que ninguna ave caiga fulminada muerta al suelo. Es una imagen simbólica de que, se puede pasar página y dislumbrar otro modo de vida, acabar con una dinámica familiar de golpe.

Sin lugar a dudas, una de las grandes obras del cine español, imprescindible. Una película que cuando hablamos del cine de nuestro país, la tenemos que mencionar obligatoriamente.

Por los olvidados, los despreciados, los maltratados, por esos Santos Inocentes, los que realmente tienen sangre noble, bondad y justicia en su corazón.

El cine español puede ser capaz de crear obras muy interesantes como este film del "Buen Patrón"

La historia trata de la empresa de básculas Blanco, presidida por Julio Blanco (Javier Bardem) que es un jefe que se implica en la vida personal de sus trabajadores porque piensa que su bienestar repercute en la productividad de la empresa.

Es entonces donde se ven diferentes subtramas con distintos trabajadores y los dilemas que plantea el ser el jefe de un grupo de personas.

Película muy entretenida, con escenas humorísticas, incómodas, tristes. Como la vida misma debe de haber de todo en una empresa. Los diálogos también estuvieron muy bien, enganchan al espectador.

Las tramas personalmente pienso que son muy predecibles, desde un primer momento sabes que final van a tener.

Lo mejor de la película sin duda la actuación de Javier Bardem de un jefe que hará todo lo posible porque su empresa se siga manteniendo fuerte. Es impresionante como se adapta al papel, lo vive como nadie, un profesional de categoría, élite mundial.

La película se le queda muy corta a Bardem, él es quien la hace brillar con fuerza, es la estrella sin discusión.

El buen patrón, una película que no ha inventado nada nuevo ni reinventado, pero que siempre recomendaría por ver al gran Javier Bardem en acción, de eso no tengo dudas.

Entretenida para como hoy, pasar un domingo por la tarde entretenido. No la pondría entre nuestras joyas de nuestro cine patrio ni mucho menos, pero tampoco chirría a la vista.

La misma trama hace honor a su obra. El buen patrón es como las básculas Blanco, se mantiene en un equilibrio en su calidad como película. Ni muy buena, ni mala.

En el medio se quedó.

Nos encontramos en el siglo XIV, Europa está siendo devastada por la peste negra.

En la primera escena de la película, vemos a un caballero llamado Antonius Block, junto con su escudero Jons, ambos están muy cansados ya que han estado los últimos 10 años de su vida luchando en las cruzadas, vuelven a su hogar, a Suecia.

Es entonces, en el que la muerte aparece ante Antonius, le dice que su vida ha acabado. Para ganar algo de tiempo, Antonius le reta a jugar una partida de ajedrez.

Es el comienzo de una aventura, en el que se cuestiona constantemente el sentido de la vida, que hay más allá de la muerte.

Debo decir antes que nada que Bengt Ekerot en el papel de la muerte lo borda. Es una muerte fría, sutil, una simple mirada te hiela la sangre, no tiene la necesidad de levantar la voz ni de hacer ninguna demostración de su poder para intimidar, su mera presencia, su actitud supraterrenal hacen que sea muy temido. Diría que es la representación de la muerte más fidedigna que he visto nunca.

Durante la obra vemos la alegoría del camino del guerrero, Antonius vuelve a casa buscando esa paz y descanso que no ha encontrado en la guerra. Pero llega en una época en la que la peste negra asola Europa y la razón de la población se pierde por completo.

La condición del ser humano se pierde, la razón de lo que es bueno o malo, de lo lógico se marchita ante la desesperación y el miedo de una enfermedad que ellos explican como un castigo divino.

La población se encomienda al clero, pero éstos lo único que hacen es realizar sacrificios banales y hacer una caza de brujas indiscriminada con el fin de apaciguar a las masas, de intentar hacer el bien o impartir justicia con la esperanza de que calme a Dios y pare con la peste negra. Realmente, Ingmar Bergman representa esta etapa histórica de una forma sublime, demostrando que el ser humano es capaz de lo mejor y de lo peor.

Hacer mención al elenco de personajes de la obra, parecen sacados de una obra de teatro. Todos ellos muy variopintos y entrañables, desde un herrero que tiene problemas amorosos con su mujer, una tierna familia de juglares con un niño pequeño, el caballero, el escudero, una campesina asustada y débil. Estos personajes, representan las diferentes clases de la sociedad de la época.

Cabe destacar la banda sonora, sublime de principio a fin, estamos hablando de una película del año 57 pero es impresionante como lo hicieron.

Durante la obra Antonius se cuestiona que hay más allá de la muerte, con el fin de que cuando le toque, buscar una esperanza, algo a lo que aferrarse. Se nota en diferentes momentos que intenta almacenar recuerdos positivos, intenta buscar una explicación de la vida, un sentido, le gustaría incluso comunicarse con Dios o el diablo para que le digan el porqué de la muerte. Es una actitud mundana y humana, el intentar ir más allá. La contraparte es la de su escudero Jons, un hombre que sabe perfectamente cuál es el final, con un pensamiento totalmente diferente al de su señor Antonius. Son la misma moneda ambos, pero son sus diferentes caras.

Tengo que decir, que las escenas donde está la iglesia en escena son impactantes, duras de ver ya que más que una entidad de ayuda al prójimo, parece que son una organización cruel y despiadada. Pero la iglesia y la población en general es así, han perdido la motivación por vivir y muchos solo se dejan llevar por instintos primarios.

En toda esta oscuridad, está el contraste de la luz, la vida, el amor de una familia unida como lo son la de los juglares. El niño de ambos representa la vida, representa la esperanza de la humanidad entre tanta locura y tanta muerte alrededor, representa todo lo bueno que puede dar nuestra especie.

Realmente tiene mérito lo que consiguió Ingmar Bergman, el representar de una forma tan sublime una de las épocas más oscuras de la humanidad y también el mostrar de una forma sublime la naturaleza y condición del ser humano, junto con una trama existencialista llena de cuestiones vitales.

El Séptimo Sello, obra maestra del cine, hacía tiempo que la quería ver y cumplió con creces las expectativas, sabes que estás ante un coloso del cine porque sientes que es atemporal, las generaciones futuras la seguirán viendo y disfrutando, como yo.

Una película para la posteridad, uno de los pilares del séptimo arte.

Con esta película voy a ir directo al grano, porque es lo que me ha transmitido.

Grandes actuaciones de Alicia Vikander en el personaje de Virginia y de Elizabeth Olsen interpretando a Mía. El resto de actores, algo descafeinados.

La trama gira en torno a un mundo futurista en el que son inmortales y no envejecen pero son estériles por el consumo de un fármaco. El gobierno controla la natalidad con un sistema de evaluación, acude una funcionaria durante una semana a convivir con los futuros padres, para dictaminar si son aptos para la paternidad o no.

Durante esta semana, tienen que realizar diferentes pruebas para demostrar que son unos padres idóneos.

Es una película de ciencia ficción basada en un mundo distópico, perfectamente podría ser un capítulo de Black Mirror ampliado en duración.

Poco a poco, la película te va revelando los secretos de ese universo, como han llegado a tener esa tecnología, civilización y leyes.

Me gustó sobre todo los últimos 20 minutos, me parecen los más dinámicos.

Una apuesta diferente, aunque siento que durante el transcurso de la película faltó algo más de gancho, de chispa. La base era muy buena, un argumento con mucho potencial, pero pienso que no le supieron sacar todo el jugo. Por ejemplo, hubiera estado bien incluir más flashbacks de como sucedió todo para llegar a la sociedad que se encuentran o bien, explicar mejor el gobierno que rige este mundo.

Es un film que no dejará indiferente a nadie, que se plantea el dilema de la libertad del ser humano y de aquellos rasgos que nos hacen sentirnos parte de nuestra especie.

Obtiene por ello una sólida 4 estrellas de puntuación, no le puedo añadir ni más ni menos.

Sinceramente, no sabía nada de esta peli cuando la empecé a ver. No vi trailer, no leí ninguna review, ninguna opinión, nada.

Fui a ciegas total.

Tanto es así, que pensaba que Manchester By The Sea era una película romántica. Para mí sorpresa no lo es, es una película de desamor, pero no de desamor con una relación sentimental, de desamor con la vida.

Lee Chandler trabaja como conserje en Boston, donde lleva una vida rutinaria donde es explotado laboralmente, ya que es el chico para todo, teniendo que trabajar en cuatro edificios diferentes. Lo único que hace para escapar de esa rutina es acudir a bares donde rehuye de la interacción sentimental con las mujeres y tiene ataques de ira con los hombres, con los que se pelea.

Un día Lee, recibe una noticia. Su hermano Joe está muy grave de salud, por lo que debe rápidamente acudir a su Manchester natal. Lee se encuentra a su hermano Joe fallecido y se tiene que encargar de su sobrino Patrick de 16 años.

A lo largo de la película vemos una doble trama narrativa, vemos un Lee diferente en el pasado, familiar, con muchos amigos, siempre estaba de buen humor, gastaba muchas bromas a sus seres queridos. No es ni la sombra de lo que es en la actualidad, un hombre frío, solitario, que se niega a interaccionar con nadie que no sea de su más íntimo círculo cercano.

¿Qué le habrá podido ocurrir para un cambio tan drástico?

Es la gran pregunta que me hacía cuando estaba viendo el film. Y sí, me teoría se cumplió, sucedió tal cual imaginé. Aún así, me impactó de sobremanera, es una escena muy fuerte que no revelaré por spoiler.

Manchester By The Sea trata de como una mala decisión marca toda la vida de una persona. De como se va a atormentar para siempre por ello, cada día de su vida. Nunca volverá a ser totalmente feliz, nunca podrá volver a su tierra y sentirse en paz, porque los recuerdos queman.

Las desgracias, el dolor hacen a un niño inconsciente, convertirse en hombre. Hay algo que murió por dentro y nunca volverá a florecer.

Que gran actuación de Casey Affleck haciendo de Lee Chandler, me llegó al alma y me dejó completamente vacío por dentro, roto. Hacía mucho tiempo que una película no me transmitía tanto, es de esas obras que remueven conciencias, que las ves y sabes que algo ha cambiado en tu interior.

Esto es cine con todas las letras, esto es un drama en mayúsculas, diría que de las mejores de su género. Una historia adulta, una historia que ha pasado, una historia de que no siempre podemos hacer lo que los demás esperan, no podemos continuar por ese camino, no somos capaces. Se refleja bien en determinadas escenas muy potentes, cuando parece que ya no puede ir a peor, va a peor. Nadie lo entiende, pero Lee aguanta el tipo como puede, intenta estar a la altura de las circunstancias.

Lee se siente un extraño en su propia tierra, todos lo desprecian. La culpa, el remordimiento le pueden. Es un cadáver viviente, no tiene razón para vivir pero vive, es el pago que hace, es su condena, autofustigarse diariamente. Poco a poco ve como todo su mundo se desmorona alrededor, la gente que amó, ya no están. Queda un bote con el nombre de su madre y su sobrino de 16 años que lleva una década sin ver.

Todos fuimos Patrick viendo los retratos en la habitación de Lee. Es muy triste cuando un menor, entiende el dolor por el que pasa su tío mayor.

Cuando no tienes sentimiento de pertenencia a un lugar, es de las mayores tragedias que le puede ocurrir al ser humano. En Boston nadie conoce a Lee, conocen al conserje, no a la persona. Nadie le juzga, pero tampoco nadie lo aprecia. Es una neutralidad continua, vive pero sin hacer ruido, pasando desapercibido.

Cabe destacar el lenguaje no verbal, sobre todo las miradas. Es cierto eso que dicen que hay miradas que valen más que mil palabras.

Este fue mi primer pensamiento cuando terminé de ver la película, es un deseo, es mi final predilecto:

Lee, no sé como, pero espero que en algún momento encuentres la paz.

Absolute Cinema.

El Silencio de los corderos, una de esas tantas películas que tenía pendientes y que por fin he visto.

Me he propuesto ver toda la saga en orden cronológico según su estreno en el cine. Sé que se podría ver según los hechos de la trama, pero prefiero verla así como la vieron en su momento las personas que siguieron la saga en directo.

¿Qué me ha parecido esta primera película?

Simple y llanamente, espectacular. Hannibal Lecter como personaje es sin lugar a dudas uno de los grandes villanos del cine, intimida solamente cuando habla, es inteligente, astuto, un monstruo, un depredador. Cuando se pone en acción, es implacable, brutal, hace sufrir a sus víctimas de la peor forma posible.

Anthony Hopkins lo bordó por completo en su interpretación. Es más, me atrevería a decir que estamos ante una de las mejores actuaciones de la historia del cine, ese hombre nació para ser el doctor Hannibal Lecter, tremendamente carismático.

He leído en entrevistas que tal era su obsesión con el personaje que la misma Jodie Foster le tenía miedo, por ello en algunas escenas no está actuando, es miedo de verdad el que siente por él.

Normal, esos primeros planos de cámara a Hannibal Lecter donde simplemente habla y mira, son terroríficos.

Hablando de Jodie Foster, que gran papel hace interpretando a la estudiante de agente de FBI Clarice Starling. Estamos hablando de una película del año 1991, es decir hace más de 30 años, si en la actualidad existe el machismo, el techo de cristal, la diferenciación laboral entre hombres y mujeres, imaginad en esa época. Clarice tiene que aguantar continuamente comentarios sexistas solo por ser mujer, no la valoran por su capacidad ni por su currículum, sino porque es joven y porque es mujer. Me parece que es una visión empoderada de la figura de la mujer, no como en obras que se nota que está forzado.

Las escenas de acción una delicia, no se cortan a la hora de mostrar sin censura todo lo que acontece. Una época los 90 que para mí es el culmen del cine, donde las etiquetas de edad realmente mostraban lo que prometían, un +18 de categoría.

Desde el inicio de la película, ya se puede escuchar la banda sonora de la misma, te pone en situación, te pone tenso, sabes que en cualquier momento puede ocurrir algo que cambie radicalmente la trama.

Sinceramente me cuesta dar las cinco estrellas a una obra, pero pienso que el Silencio de los Corderos es una película redonda, entretenida, con buenas actuaciones, banda sonora, tiene uno de los mejores villanos del cine...

Qué más se puede pedir.

Ahora toca ver Hannibal que parece ser que está dirigida por el gran Ridley Scott y ambientada 10 años después...

Pero esa historia es material para otra review.

El Silencio de los Corderos, sin lugar a dudas imprescindible de ver, un clásico totalmente atemporal que seguirá cautivando a las nuevas generaciones por siempre.

Birdman es una de esas películas que entiendo y acepto que no son para un público general que consume cine. Es una película cuya trama es diferente, con ritmo lento que poco a poco te va introduciendo en el argumento de la misma.

Como ha pasado con otras películas, me imagino que mucha gente en el año 2014 cuando se estrenó Birdman, fue a ver la película con una serie de pretensiones sin haberse molestado en leer una sinopsis o ver un tráiler. Es esta, una práctica recurrente, después viene el mal humor o los lamentos. Me imagino que muchos pensarían, que Birdman era una película de un superhéroe y que sería una película de acción.

Nada que ver.

Birdman es la historia de Riggan Thomson (Michael Keaton) un actor de Hollywood que tuvo una época gloriosa y exitosa interpretando a Birdman, un héroe que la gente adoraba. Riggan tenía todo, dinero, fama, una familia, propiedades pero se sentía vacío, necesitaba dar un giro a su carrera profesional, por lo que decide dejarlo y enfocarse en el teatro, trabajando para estrenar una obra en Broadway. Es entonces, en donde empieza a luchar contra sus miedos e inseguridades para intentar tener éxito nuevamente en este formato.

Para mí la obra tiene tres personajes claves aunque el resto del reparto lo hace genial. Por una parte tenemos a Michael Keaton, que lo hace fantásticamente bien de Riggan Thomson. A su vez, un Edward Norton soberbio en el papel de Mike Shiner un actor de prestigio pero que es un auténtico cabronazo sin escrúpulos, alguien que hará cualquier cosa con tal de que su actuación sea genuina. Por último, la siempre fantástica Emma Stone en el papel de Sam, la hija de Riggan.

La peli nos plantea continuamente diversas problemáticas del famoseo, como el narcisismo, la obsesión por el éxito y su consecuencia si no se obtiene, los trastornos de personalidad, los ataques de ira, la presión y ansiedad que se siente al estar expuesto en el foco continuamente, además de la necesidad de mantenerse como una estrella famosa y deseable para nuevos trabajos, los conflictos familiares debido a las exigencias del trabajo.

Nos dan una imagen realmente turbia de lo que ocurre cuando el telón se baja.

Vuelvo y repito, la peli es de ritmo lento pero es interesante desde un principio, te engancha y poco a poco te va sumergiendo en su peculiar trama.

La fotografía de la película es excelente, esos planos secuencia son oro. También lo es la banda sonora, sorprendiendo incluso con música en la misma escena tocando la batería.

También me moló esos guiños durante el film al pasado de Michael Keaton como Batman.

Birdman tiene también escenas de humor pero es un humor bruto, frío, mordaz que no deja indiferente a nadie.

Tiene diálogos muy buenos y en consecuencia escenas muy interesantes, bastante surrealistas debido a su excentricidad pero excelentes.

Birdman (O la inesperada virtud de la ignorancia) es una película que entra muy bien pero cuando ya viste suficiente y necesitas algo diferente. Una peli, que personalmente pienso que es un joya por esto mismo, es como un soplo de aire fresco.

Vamos con una de cine japonés. Una película desconocida por el gran público, un film tremendamente infravalorado que por fin he podido disfrutar y no me ha decepcionado en absoluto.

Cure.

¿Por qué conocía la película y tenía ganas de verla?

Porque el gran Martin Scorsese dijo que era una absoluta obra maestra y evidentemente todo lo que diga uno de mis directores favoritos, va a misa.

Por lo que, decidí embarcarme en esta película de suspense del año 1997. El suspense es sin ninguna duda, mi género del cine favorito, he visto muchísimas películas.

A estas alturas, tengo la sensación que pocas cosas me van a sorprender, por no decir nada. Cure en varios aspectos, me ha demostrado que estaba equivocado y me sorprendió con sus escenas, giros argumentales, guión, algo que agredezco enormemente.

Pero, ¿De qué trata Cure?

Nos situamos en Tokio, ocurren una serie de asesinatos que tienen en común que tienen una herida en sus cuerpos, una X hecha con un arma blanca. Los presuntos culpables son personas normales sin antecedentes, lo que suscita una gran interrogante en la policía. Es entonces, en que el inspector Takabe (Koji Yakusho) entra en la investigación para intentar encontrar sentido a todo lo que está sucediendo.

Tenemos que entender que Cure es una película de ritmo lento, pero también es algo que agradezco. En un cine actual que todo es acción a raudales, se agradecen escenas que se toman su tiempo, rodadas con esmero y miro, con diferentes planos de cámara, en el que se diferentes entornos.

Por otra parte, el guión es excelente, dejando diálogos para la historia, como cuando Takabe se lamenta por su situación personal y echa la culpa a su profesión, a los asesinos que viven despreocupadamente mientras que él siente una inestabilidad mental por ellos, algo que afecta a sus relaciones personales. Una escena con mucha fuerza que me impactó, una joya del cine.

Siempre he dicho que en las películas donde hay policías las que son buenas son aquellas que se percibe el deterioro de los que intentan aplicar la justicia al ver tanta miseria, lo peor del ser humano. Antes que inspector, Takabe es una persona, no un robot. Siente y padece, tiene sus miedos, inquietudes, ansiedadades, emociones que lanza cuando colapsa y explota porque la situación le supera.

Algo que me encantó es la tensión, la incertidumbre, la incomodidad que se siente en muchas escenas. Sientes que en cualquier momento puede pasar algo importante para la trama, te engancha y mucho.

Koji Yakusho en el papel de protagonista lo borda al igual que Masato Hagiwara en el papel de villano. Frío, calculador, inteligente, manipulador. Brillantes actuaciones de ambos, las diferentes caras de la misma moneda.

Cure utiliza un terror sutil, un terror psicológico. No es el típico asesino, va mucho más allá. Juega con el vacío que sienten las personas en estas sociedad modernas en las que vivimos, donde la depresión, la ansiedad y el estrés son enfermedades lamentablemente normalizadas. Juega con la identidad de las personas, un sujeto sin identidad o que se da cuenta que su identidad no está bien construida, se puede desmoronar y ser capaz de cualquier cosa. Juega con los temores, con las debilidades, con los peores sucesos de cada persona que los atormenta poco a poco hasta que estallan debido a un detonante. Juega con la inseguridad, la desesperación, con el deseo de un cambio. Se ve bien la manipulación, que los peores monstruos son aquellos que con las palabras, usando la información que tienen para dar donde duele, son capaces de manejar a su antojo a una persona como un títere.

Simplemente magnífico plantear estos temas y desarrollarlos de una forma tan fina.

Por último pero no menos importante, toda gran película de suspense debe tener una serie de sucesos y un final que se pueda teorizar sobre ello. Que sea ambiguo, que no esté cerrado ni se lo den al espectador masticadito, que se pueda debatir sobre él y que cada persona según su visión pueda idear su final ideal.

Sin más, os la recomiendo a todos por supuesto, está en la plataforma de Amazon. Como dije el comienzo tiene un ritmo pausado pero seguro, aguanten que vale la pena, es algo diferente fuera de lo convencional que es digno de visualizar, no dejará indiferente a nadie.

Sí, una vez más queridísimo Scorsese tenías razón, Cure es una auténtica joya del cine. Cine japonés en todo su esplendor.

(NOTA IMPORTANTE: La review NO contiene spoilers pero en los comentarios sí. Acceder bajo su propia responsabilidad. Dicho esto, espero que disfruten de la review)

Una de las temáticas que me vuelven loco es la ciencia ficción orientada a un mundo post apocalíptico. Por ello, entre otras The Walking Dead es una de mis obras preferidas.

En el Eternauta se nos presenta esto mismo, la sinopsis trata que de buenas a primeras en pleno verano en Argentina por causas desconocidas empieza a nevar y el aire se vuelve tóxico y mortal para aquellos que lo inhalan. Es entonces, en el que el grupo protagonista poco a poco descubrirá nuevos hallazgos sobre este fenómeno mientras intentan sobrevivir.

Debo decir que me sorprendió gratamente, es una producción de primer nivel, se nota que Netflix ha invertido bien en el proyecto, el resultado es una serie muy entretenida por su trama pero también sus distintos personajes y el misterio constante que existe en la serie.

Muchas grandes series su primera temporada no es mala pero tampoco excelente, ya lo vimos con Breaking Bad, la misma The Walking Dead etc

Pienso y espero que el Eternauta le pase lo mismo, que sea una serie que vaya constantemente incrementando, que vaya de menos a más.

La primera temporada al menos nos ha dejado muy buenos momentos, de presentaciones, despedidas, sorpresa, entrañables, impactantes, tristes, ha sido sin duda una montaña rusa de emociones. Asimismo hemos tenido buenas dosis de acción. Lo que me encanta de la temática de ciencia ficción basada en un apocalipsis que ves realmente la naturaleza del ser humano cuando está ante la necesidad extrema y el peligro, estos condicionantes pueden sacar a la luz a la persona que verdaderamente llevamos dentro. Una cosa es una vida en sociedad con leyes, otra bien distinta la supervivencia pura y dura.

Me ha faltado quizás que se utilice más el recurso del flashback, más que nada para conocer mejor la vida de los personajes antes del apocalipsis para conectar/empatizar mejor con ellos. Pienso que es un grandísimo recurso para conocer mejor a los distintos personajes, sus relaciones, como van evolucionando y también si ocurre un momento triste llegar a sentirlo más ya que los personajes han tenido su desarrollo/explicación.

Todo esto para acabar con el último capítulo, que deja más preguntas que respuestas, algo que nos hará a más de uno empezar a leer el cómic si no podemos esperar las ganas de la segunda temporada.

Destacar también, la magnífica actuación de Ricardo Darín, me gustó y mucho. Todo el elenco de actores lo hacen realmente bien pero él se lleva la palma.

Algo que me encantó de la serie fue la estética, la fotografía, la ambientación. Ver esos diferentes planos amplios de una Argentina congelada fue realmente bello de ver. Además, cuando se ponen los trajes con las máscaras para salir al exterior tiene una estética muy carismática.

El Eternauta reúne todos los elementos que le pido a una serie de ciencia ficción basada en un apocalipsis, solo le pido un gran villano carismático, tramas más interesantes y tensas. Tiempo al tiempo, el proyecto tiene muy buena pinta, ha sido una primera temporada introductoria para sumirnos en este nuevo universo.

Por otra parte datos a tener en consideración, la serie tiene capítulos de duración variante, desde 40 minutos a más de una hora. Aconsejo verlo en español argentino, por supuesto.

Para concluir, viva Argentina y viva las producciones hispanohablantes, tenemos mucho talento audiovisual que dar al mundo, aquí un ejemplo más.

Diría que Vidas Pasadas es una de las películas más aclamadas en Letterboxd, así que decidí verla con la suerte que estaba en Movistar + pero con el aviso de que dentro de poco dejaría de formar parte del catálogo, así que tocaba darse prisa en visualizarla.

Tiempo muy bien invertido sin duda.

Película muy interesante que tiene 3 tramos temporales. En primer lugar se muestra a los protagonistas, con 12 años, un amor infantil, tierno, inocente, de esos que marcan de por vida.

12 años después, ambos con 24 años sigue esa línea narrativa con sus respectivos sucesos.

Finalmente una tercera trama temporal, otros 12 años después, cuando ya son adultos y han tenido un recorrido vital.

Sinceramente me gustó como se usó este recurso espacio-temporal, no lo vi como algo forzado, sino como algo natural y necesario.

Una de las premisas de la peli es el concepto "In-Yun" que significa a nuestro idioma como el destino o la providencia. Algo así como, que las personas que conoces en tu vida pertenecieron a tus vidas pasadas, por ello están conectados y vuelves a tratar con ellos. Es más, para ellos si alguien contrae nupcias es porque han pasado 8000 capas de In-yun.

Por ello la película se llama "Vidas Pasadas" porque sus protagonistas siempre recurren al término del "In-yun" para explicar la situación que les ocurre. Un amor que debido a las circunstancias de la vida, a la lejanía, a las decisiones tomadas no ha podido florecer, tanto es así que piensan en una futura vida, en un nuevo In-yun en el que puedan por fin estar juntos.

Realmente me gustó, pero me gustó porque tiene escenas muy incómodas, tensas y también tristes en el que sientes un nudo en la garganta. El fuerte de Vidas Pasadas no pienso que sea el lenguaje verbal, sino el lenguaje no verbal, eso que expresan los protagonistas con sus gestos.

El trío de protagonistas tienen perfiles dentro de la historia variopintos, un trasfondo muy enriquecido.

Desde Hae Sung que está anclado a un trabajo mal pagado, en el que se siente un esclavo del sistema, en el que su propia cultura lo oprime y ve como pasan los años y no encuentra la persona adecuada para mantener una relación amorosa y formar una familia, porque laboralmente no es un "buen partido". Viviendo de recuerdos, de los recuerdos de la infancia, una época más despreocupada en el que conoció a su gran amor. Un treintañero que vive con sus padres aún como cuando estaba en época estudiantil.

Tenemos a Nora, una persona que no tiene sentimiento de pertenencia por ningún país ni cultura. Se siente extraña en todas partes. Alguien que vive con el ansía de sus aspiraciones laborales, con el sueño de en algún momento ganar un gran premio, un reconocimiento a su persona. Por ello, ha sacrificado todo, desde abandonar su hogar, todo lo que conocía, incluido ese chico que tanto le gustaba y que siempre la atrajo.

El último en discordia es Arthur. Debe ser muy duro ser consciente que no eres suficientemente bueno para la persona que amas y que si está contigo ha sido por las circunstancias de la vida, pero si los dados del juego de la vida hubieran salido de otra forma, jamás hubieras estado con ella y sí ese al que estás tratando como un invitado.

Como crítica constructiva, el final me pareció algo abrupto, lo hubiera extendido un poco más. No quiero decir que nos den un final cerrado sino, unas escenas más para ver las consecuencias de todo lo que sucedió, me pareció demasiado tajante, aún así este film es muy recomendable. Destacar positivamente la banda sonora que acompaña a determinadas escenas y los planos de cámara, sobre todo esos primeros planos que hacen de las caras de los protagonistas cuando interaccionan y se pueden apreciar las diferentes emociones que experimentan.

Hay miradas que valen más que mil palabras. Hay abrazos que llegan al alma, hay silencios que duelen más que cualquier daño físico.

Es duro tener que despedirte de alguien, querer besarla, mantener la mente fría, pensar en las circunstancias y responder con un abrazo. El cine es tan maravilloso porque te hace recordar cosas que viviste y te sientes partícipe de ello.

Vidas Pasadas, una película adulta, real como la vida misma. No todos los romances, las atracciones, la química entre dos personas pueden acabar con un final feliz, es parte de la vida asimilarlo.

Las decisiones marcan una vida entera, ese fino equilibrio entre ser feliz y vivir de recuerdos.

Hay trenes que pasan una vez en la vida, si tienes el billete que te da a él, entra y disfruta del viaje.

No lo tienes, mira mientras se marcha e imagina como te sentirias si hubieras podido vivirlo.

En una época en la que el cine piensa que para tener éxito una película debe tener una serie de características, como por ejemplo bombardear al espectador con estímulos frenéticos, ver obras como Perfect Days es como encontrar un oasis en mitad del desierto, como encontrar en la oscura y fría noche una hoguera, en la que sentarte, descansar, pensar y sentirte en paz.

Perfect Days no es una película creada para un público general. La mayoría de personas verán esta película y se aburrirán, se reirán de ella, no la sabrán apreciar. Dirán que no ocurre nada, que están perdiendo el tiempo, que es lenta. ¿Dónde están los tiros? ¿Dónde están los sustos? ¿Dónde están los gritos, el horror, las risas o el romance? No hay nada, ¿Por qué nos debería de gustar?

Cuando ya una persona ha consumido muchas obras de diferentes géneros, directores, épocas, cuando alguien es un enamorado del cine en general, sabe apreciar esta joya en su esencia y magnitud.

Perfect Days no necesita gritar a los cuatro vientos que es una buena obra y que es una pieza de calidad. Como su protagonista Hirayama, simplemente observa, actúa, no juzga y permanece expectante a los cambios a su alrededor.

Es una película realista, una película que te muestra la vida cotidiana de una persona, no necesita una gran alegría ni una gran desgracia, no necesita un final que pase algo que vaya a marcar por completo su vida, las cosas para la mayoría de las personas y sus historias no funciona así.

Me ha cautivado la vida de Hirayama, una vida sencilla, una vida con una rutina muy marcada, pero una vida que con pequeños detalles del día a día él es feliz. Desde su café de por la mañana, su descanso del trabajo en el que saca fotografías a la naturaleza, su visita a los baños termales o por la noche antes de dormir cuando lee un poco.

Es una persona sana, humilde, sin maldad ninguna, una persona que encuentra la belleza, la calma, la felicidad en las pequeñas cosas de la vida como jugar al tres en raya con un desconocido cada día mediante una hoja de papel que ha encontrado en el baño mientras lo limpiaba. Que queréis que os diga, en una sociedad enferma por el estrés, consumista, llena de problemáticas mentales, avaricia, la felicidad no está en tener más que el otro, pienso que está en no necesitar. No es más rico quien más tiene, sino el que menos necesita.

La dignidad de las personas no reside en su profesión, está en como afronta la vida. En como se toma las cosas. Puedes estar constantemente lamentándote o puedes asumir tu realidad y en base a ella, intentar ser feliz. La vida es realmente corta como para estar constantemente castigándose.

La soledad es otro de los temas que se abordan en la película. ¿Realmente una persona debe ser infeliz por no formar una familia? En absoluto, cada uno elige según sus circunstancias su estilo de vida. La soledad no debe agobiar ni entristecer, abrázala, acéptala, respétala. Nacemos solos, solos moriremos. Hay épocas y épocas en la vida, también de soledad. Por ello debemos querernos a nosotros mismos, estar agusto con estar solo con nosotros, pero para ello debemos aceptarnos, como hace Hirayama.

Hirayama como cualquier persona tiene días y días, no todos los días pueden ser buenos, sobre todo por las cosas que le ocurren como esa interacción con su hermana en la que se puede apreciar dolor, una espina clavada con su padre que aún no ha sanado pese a que ha pasado mucho tiempo.

Está claro que no podemos tener una vida perfecta, pero sí que podemos tener días perfectos, días en que seamos felices, días en que estemos en paz con nosotros mismos.

Personalmente aspiro a esos días, a tener una mentalidad positiva, a entender que aunque haga acciones buenas los actos de las otras personas no dependen de mí y no recibiré lo mismo que ofrezco. Como se ve en la obra, es parte de la vida en sociedad. No me puedo lamentar por ello, hice bien, no he recibido lo mismo, pero me debo sentir orgulloso por como actúe como ser humano aunque no haya recibido lo mismo. Desde hace tiempo pienso así y soy más feliz, entiendo que las personas por regla general son malagradecidas y piensan únicamente en ellas. Al ver la relación de Hirayama y Takashi me recordó esta máxima que tengo conmigo mismo. Las personas van y vienen en nuestra vida, simplemente debemos actuar con responsabilidad y con nuestros valores.

Siempre y cuando vuelva a salir el sol, tengamos salud, un propósito, unos pequeños placeres y una canción que nos llegue, es el comienzo de un posible día perfecto.

La vida es más sencilla de lo que parece, somos nosotros los que complicamos las cosas.

Perfect Days, si por algo me encanta el cine es por lo variado que es, aquí tenemos un tesoro que pasarán los años y se convertirá en una película de culto. Estrenada en el 2023, todavía tiene tiempo por delante.

Todos deberíamos tener esos días perfectos, cuesta conseguirlos, pero es posible, que satisfacción cuando lo logras.

La paz y la tranquilidad no tiene precio.

Gracias Hirayama, gracias Wim Wenders.

Watched on Friday April 25, 2025.

Ryan Gosling es una de mis debilidades en el cine. Película que veo de él, más me enamora su interpretación. Ya van unas cuantas, pero quería dejar "El Diario de Noah" para el final.

Es curioso, que una película tan mencionada y visualizada no la hubiera visto ya. Básicamente, porque no era el momento, hay películas que se dan así, cuando llega tu momento de verlas, las disfrutas por primera vez al máximo.

Es lo que me ha ocurrido con este film que utiliza el recurso de la doble trama narrativa. Podemos ver a dos ancianos, en el que él le lee una historia de amor a ella. Esta historia de amor se hace visible a los ojos del espectador, la historia de como se conocieron y se enamoraron Noah y Allie, en los años 40, justo antes de la segunda guerra mundial.

Noah viene de una familia humilde del sur, mientras que Allie viene de una familia acomodada y adinerada que tiene sobre ella grandes expectativas y planes de futuro.

¿Pero el amor todo lo puede? ¿Hasta derribar las clases sociales, las diferencias entre las personas, los obstáculos de la vida, el tiempo, la distancia, los malentendidos, las discusiones, los momentos desagradables? Si hay amor, todo es posible.

Porque si algo prevalece es el amor, el amor puro y loco que pueden sentir dos personas, que sin importar sus diferencias, conectan desde un principio hasta el fin en una espiral de amor sincero.

Me encantó la actuación de Ryan Gosling como siempre, tiene una presencia muy fuerte, carisma, es un protagonista ideal. También me encantó Rachel McAdams en el papel de Allie, su locura, esa risa contagiosa y jovial engancha.

Realmente el diario de Noah es una historia simple, es una historia corriente que ha sucedido muchas veces en la vida, es una historia de amor. Pero, es una historia simple magistralmente llevada a la práctica, con escenas memorables como el beso bajo la lluvia o el baile debajo del semáforo, entre otras. Esto es la magia del cine, que una historia simple te entretenga, te toque la fibra sensible y que te llegue al alma.

Además que la banda sonora da mucha fuerza a esas escenas de peso de la película.

Y sí, esta es una de esas películas entrañables, bonitas de ver qué te acarician el corazón de principio hasta el fin.

Ojalá todos puedan encontrar a esa persona que los complementan y los aman de verdad, un amor mutuo. No es buscar tu media naranja, es buscar el amor, las diferencias existen pero lo más importante es estar en las buenas y en las malas. Superarnos a nosotros mismos para dar nuestra mejor versión a esa persona y no olvidar las promesas hechas, pese a los obstáculos de la vida.

El Diario de Noah lo supo reflejar bien, la historia de un gran amor, desde su nacimiento a su extinción, como una vela que ilumina hasta que se apaga.

Si estás seguro que sientes de verdad, lánzate e inténtalo. Más vale saber la respuesta que morir con la incertidumbre.

Sin más, en otra review más dejo citas que me encantaron de la peli a modo de despedida:

"Les costaba ponerse de acuerdo. De hecho, rara vez estaban de acuerdo. Discutían todo el tiempo y se desafiaban todos los días. Pero, a pesar de sus diferencias, tenían algo importante en común: estaban locos el uno para el otro"

"El mejor tipo de amor es aquel que despierta el alma y nos hace aspirar a más. Nos enciende el corazón y nos trae paz a la mente. Eso, es lo que tú me has dado y lo que yo esperaba darte.

Te quiero por siempre"

Película del año 2014 dirigida por Wes Anderson, el Gran Hotel Budapest es una mezcla de géneros pero lo que intenta generar en el espectador de principio a fin es la melancolía.

La melancolía por la juventud, por aquellas personas que conocimos y tanto nos marcaron en nuestra vida, en esa persona que fue nuestro gran amor, en los amigos, en nuestra vida pasada, en las vivencias experimentadas y los recuerdos atesorados.

Eso es el Gran Hotel Budapest, un hotel que se nos presenta en primer lugar en la década de los 60 como un inmueble sin relumbrón, sin apenas clientes, sin vida, sin pasión. Un lugar frío, que lo único que le queda es la fama pasada y unas instalaciones que es perceptible que tuvieron momentos gloriosos pero ya están deterioradas por el paso del tiempo.

En unos de los sillones de la recepción del hotel está sentado un hombre de avanzada edad mirando a la nada, con expresión triste, alicaída, sin sociabilizar con nadie. Dando la sensación, que ahí sentado está rememorando momentos más felices que pasó en ese lugar que actualmente no es ni la sombra de lo que fue.

Este hombre es, Zero Moustafa, el actual propietario del Gran hotel Budapest.

Uno de los huéspedes del hotel se interesa por Zero, por su historia, por como consiguió ser el dueño del Gran hotel Budapest. En este momento, la expresión facial de melancolía y tristeza de Zero cambia, muestra algo de luz, por compartir su historia con alguien más en los últimos años de vida que le quedan.

Es entonces cuando volvemos a dar otro viaje en el tiempo a la década de los años 30, vemos un hotel Budapest muy diferente, un hotel rebosante de vida, lleno de clientes, de trabajadores, las instalaciones impolutas y grandilocuentes. Era la época dorada del hotel, donde ya tenía un status y seguía forjando su leyenda. Vemos a un joven Zero Moustafa siendo un humilde mozo de portería y también a su maestro, M. Gustave el excéntrico y carismático recepcionista/metre del Gran Hotel Budapest. Gustave acogerá a Zero en el hotel como su aprendiz y protegido.

Hasta aquí todo transcurre con normalidad hasta que una mujer adinerada amiga de Gustave es asesinada y en su testamento deja a Gustave como uno de sus herederos, formando una enemistad con su familia y el comienzo de una disparatada aventura que mezcla la comedia, el romance y el drama. Una aventura en la que viajaremos por multitud de lugares, siempre acechando el peligro a nuestros protagonistas.

¿Por qué me ha gustado tanto este film? Sencillo, reúne algunas de las características que pido en una película y perfectamente llevadas a la práctica.

- Entretenimiento. Lo es de principio a fin, no deja indiferente a nadie que la vea.

- Comedia. Pero no una comedia absurda y simple, tiene toques de comedia finos, en los momentos precisos y no se hace pesada, todo lo contrario.

- Romance. Pese a que no es la temática principal de la película, lo que hay es entrañable.

- Drama. Como toda buena película debe existir el drama. Lo hay en consonancia perfecta con el resto de géneros anteriormente mencionados.

Sumado a todo esto un elenco de estrellas como lo son Adrien Brody, Edward Norton, Ralph Fiennes, Bill Murray, Willem Dafoe etc etc un auténtico lujo de reparto.

También cabe destacar la banda sonora que es espectacular. También el vestuario muy colorido y carismático al igual que los entornos, destacando el Gran Hotel Budapest con esos colores pastel/rosados tan peculiares.

Que grandísima aventura es el Gran Hotel Budapest, en que conoces a grandes personajes, diálogos hilarantes, te mantiene en intriga, te ríes, te da ternura, sientes pena con algunas escenas...

Pero sobre todo, la película te transmite que pese al paso del tiempo no debemos olvidar a aquellas personas que nos hicieron felices. Aunque ya no estén con nosotros, por muchos años que pasen, seguirán vivas siempre y cuando mantengamos su recuerdo y contemos anécdotas en las que ellos son los protagonistas.

De recuerdos se vive pero para ello primero debemos vivir.

También nos muestra, que la vida es impredecible y una montaña rusa. Puedes estar una época feliz donde lo tengas todo y épocas vacío sin nadie. Es en parte, su atractivo, el desconcierto. Por último, que da igual de que cultura o raza sea tu amigo, lo es hasta las últimas consecuencias, más que el miedo debe prevalecer la lealtad y la justicia.

No me extraña que la película se haya ganado el corazón de tantas personas porque es entrañable, tierna. Creativa, algo que se agradece en una industria del cine donde a los directores se les deja cada vez menos margen para experimentar porque lo único que interesa es en sacar dinero, algo que oprime la libertad de pensamiento en el cine.

Con el paso del tiempo, se seguirá revalorizando aún más, es una película de culto totalmente.

Mi corazón también está en el Gran Hotel Budapest, una historia agradable y ligera de ver.

Como siempre, me gusta terminar con una de las frases de la película y en esta ocasión he decidido escoger la siguiente de como no, Gustave:

"Aún hay vagos destellos de civilidad en este matadero salvaje que alguna vez fue humanidad. Es lo que nosotros brindamos a nuestro modo humilde, insignificante… Oh, al diablo."

Jojo Rabbit es una sátira de la segunda guerra mundial, en concreto desde la visión de un niño de 10 años alemán cuya cultura lo ha moldeado y adoctrinado durante toda su vida para que sea un fanático del nazismo.

Tanto es así, que Jojo tiene como amigo imaginario una especie de Adolf Hitler que le motiva a seguir siendo un nazi ejemplar.

Jojo vive solo con su madre ya que su padre está en la guerra, hasta que descubre que en su casa se esconde una chica judía.

Es en este momento en el que Jojo a su temprana edad, tiene que cuestionarse multitud de aspectos sociales y también personales.

Jojo Rabbit es una película notable, tiene un humor negro ácido y mordaz, muy buena interpretación de sus protagonistas, es una montaña de emociones, te puedes reír a carcajadas de lo surrealistas de algunas escenas o bien sentir una pena terrible por las circunstancias adversas de la vida.

Es otra de las tantas películas que demuestra que las guerras son un sinsentido y que una persona por muy fanática que sea, sufre un cambio y una evolución cuando ve las consecuencias tan crudas de la guerra.

Las personas sin importar nuestra raza o religión, hay más cosas que nos unen que las que nos separan, la violencia, la guerra no lleva a ningún lado excepto a la división y al sufrimiento.

Jojo Rabbit nos lo muestra bien.

Película que nos ofrece algo diferente en su estilo, algo que no es convencional, una propuesta atrevida, entretenida, con personalidad y carisma. Además de perfectamente dirigida y llevada a la práctica.

"Deja que todo te pase.
La belleza y el terror.
Solo sigue andando.
Ningún sentimiento es definitivo"

Watched on Friday April 18, 2025.

Es increíble como todas las películas de Denis Villeneuve son tan maravillosas de ver, es arte visual. Cuando ves una película de este director, siempre habrá alguna escena de cada una de sus películas que se te queda gabrada a fuego en tu memoria porque te impacta, te sorprende y te maravilla de lo hermosa que fue.

Arrival no es una excepción en su filmografía, nuevamente te fascina porque es como si estuvieras viendo un cuadro en movimiento, es arte.

Dejando a un lado el apartado visual y centrándonos en la trama, Arrival es una película de extraterrestres en la que un día sin previo aviso, aparecen naves en diferentes lugares del mundo. Ante este hecho y que los extraterrestres no salen de la nave ni emiten comunicación alguna externa, los diferentes gobiernos del mundo contratan a lingüistas para interpretar su idioma y que la especie humana se pueda comunicar con estos seres.

Este a simple vista sería el argumento de Arrival.

Ya os voy adelantando, que si esperáis la típica película de extraterrestres tipo Independence Day en el que es la humanidad en guerra contra los extraterrestres, estáis totalmente equivocados. Arrival va más allá, se sale totalmente de lo que estamos acostumbrados con este subgénero, su trama es sutil, de suspense, en el que la imaginación del espectador está constantemente teorizando y haciéndose preguntas.

La película juega con el espectador, desde el principio hasta el final.

Destacar también la banda sonora de la película, una auténtica joya que da fuerza a determinadas escenas. También los efectos de sonidos que te sumergen por completo en todo lo que está pasando dentro del film.

Arrival dentro de lo que se refiere a las películas de extraterrestres es un soplo de aire fresco, ese recurso que utiliza de la doble línea narrativa, es decir que en una misma película te va contando dos historias paralelas, es algo que Denis Villeneuve utiliza recurrentemente y con maestría.

Todo para que finalmente tener la guinda del pastel, la gran revelación de todo.

"Si pudieras ver toda tu vida de principio a fin, ¿Cambiarías algo?"

"Quizás diría más a menudo lo que siento"

Si queréis saliros de las típicas películas bélicas de humanos vs extraterrestres, Arrival es una grandísima opción sin duda.

Un padre obsesionado con el éxito y el triunfo cuando laboralmente no lo tiene, un hijo que no habla y adorador de Nietzsche, un abuelo que esnifa cocaína, un tío que está saliendo de una ruptura sentimental y se ha intentado suicidar, una madre que los intenta mantener a todos unidos y por último, una niña con gafas que tiene la obsesión por ser modelo viendo una y otra vez certámenes de belleza.

Esta es la premisa de "Pequeña Miss Sunshine" una familia que a priori nos puede parecer totalmente desestructurada y disfuncional.

La película se enmarca en el género comedia/dramática y tiene a grandes actores como el genial Steven Carell, Paul Dano, Bryan Cranston, Dean Norris entre otros.

Destacar la actuación de Steven Carell, es increíble la capacidad que tiene este hombre de adaptarse a cualquier papel, cumple con la finalidad de un actor, te lo crees.

Como en todas las familias siempre hay diferencias, disputas y sucesos trágicos que a una familia puede marcar pero esta se lleva la palma, durante el viaje que realiza la familia desde Albuquerque hasta California, más de 1000 km de viaje, les irá pasando reiteradas situaciones surrealistas e hilarantes que nos sacarán una sonrisa o también, nos darán pena.

Tiene un guión muy ingenioso, los diálogos de los personajes son muy variopintos, desde una "reflexión" de vida por parte del abuelo hasta el lamento más profundo de uno de los hermanos.

Lo que nos intenta mostrar la película es que pese a como sea nuestra familia, solo tenemos esa familia y deberíamos en la medida de lo posible apoyarla y sentirnos parte de ella, tanto en las buenas como en las malas.

Pequeña Miss Sunshine cumple con lo que promete: Entretiene, divierte, te da lástima algunos momentos y te enseña el valor de una familia unida pese a las diferencias y adversidades.

Ha sido una agradable sorpresa, una película muy amena y disfrutable de ver las aventuras de esta entrañable familia de Albuquerque.

Uno de los temas que me gusta de la película es ese análisis del éxito o el triunfo en la vida. ¿Qué es tener éxito en la vida? Quizás tengas éxito laboral pero no sentimental, quizás tengas éxito familiar pero no laboral, quizás tengas dinero pero no tengas a nadie con quien compartirlo

La felicidad es un estado momentáneo del ser humano, hay estudios que dicen que dura como mucho 24 horas. El ser humano es inconformista por naturaleza, siempre quiere más y más.

Por lo que siempre debemos intentar buscar un equilibrio en las cosas que nos aportan esa felicidad.

El éxito es algo que se muestra bien en Pequeña Miss Sunshine no es el tener una vida perfecta, conseguir todos tus sueños, tus objetivos y metas. La vida lamentablemente no funciona así, pueden surgir imprevistos que hagan cambiar tus planes, no todo depende de nosotros.

El fracaso no está en fallar, sino en nunca haberlo intentado. El éxito está en ser una persona luchadora, válida, que afronte la vida con la cabeza alta y pagando sus facturas, persiguiendo eso que le entusiasma.

Los ritmos en las sociedades desarrolladas en las que vivimos son enfermizos. Estrés, depresiones, son las principales enfermedades que existen. Los ritmos no tienen que ser igual para todos, hay gente que consigue eso que quería con 20 años mientras que otros con 50, lo importante es prevalecer y seguir en el camino. La familia para ello es un pilar de apoyo fundamental, porque si, la sangre pesa más que el agua.

Pequeña Miss Sunshine tiene un trasfondo complejo y un mensaje positivo y poderoso, esta clase de contenido hoy en día ayudan y mucho.

Película del año 2006, han pasado casi 20 años desde su lanzamiento y su mensaje sigue estando más vigente que nunca.

Pequeña Miss Sunshine, imprescindible de ver, sí.

Del aclamado director Denis Villeneuve tenemos Incendies, película de 2010 del género Suspense/drama, personalmente mi género en el cine favorito.

El argumento del film gira en torno a una madre que fallece y mediante su notario comunica a sus hijos que tienen un padre y un hermano que deben buscar, algo que hasta el momento para ellos era desconocido.

La película se va cociendo a fuego lento, con una interesante doble trama narrativa, entre los sucesos de la madre en su juventud y en el presente sus hijos. Este recurso si se usa adecuadamente, es algo que me fascina en el cine, ya se vio por ejemplo en el Padrino 2. Es un recuerso que es difícil de utilizar para que tenga coherencia y no exista cabos sueltos argumentales, pero en Incendies Denis Villeneuve lo usa magistralmente y lo más difícil, durante toda la peli.

La trama es de ritmo pausado, vas recorriendo diferentes ciudades de un país ficticio, nunca se revela su nombre aunque sospecho que está inspirado en el Líbano y la guerra civil que sufrió el país desde la década de los 70 hasta los 90, entre cristianos y musulmanes. La fotografía de la película es apoteósica, los paisajes que se muestran imponen, espectaculares, es una película bonita de ver, una de los sellos personales de Denis Villeneuve como director, sus películas destacan entre otras cosas, por ser arte visual.

Pero, en el caso de Incendies la trama también es muy atractiva. La película cumple, te mantiene teorizando, en suspense durante toda la película. Te muestra la crudeza de la guerra, tanto a nivel de las masacres perpetradas como del impacto a nivel social, repudiando a una persona y llamándole vergüenza por simplemente enamorarse de alguien con una religión diferente.

Siempre he pensado que las guerras son un sinsentido e Incendies lo muestra bien, hay más razones como seres humanos que nos unen más que la que nos diferencian.

Por último pero no menos importante, valoro tan bien a esta película porque como dice mi biografía, me gusta el cine porque transmite emociones. A mí Incendies con el giro de guión tan brutal que mete, me dejó muy mal cuerpo y pena, algo que por supuesto agradezco ya que son emociones más que debemos aceptar y abrazar. Me recuerda a la misma sensación que me dejó Old Boy, un giro de guión muy crudo, que ningún ser humano sin importar su país, cultura, religión puede procesar, vulnerando lo más natural y sagrado.

Una joya Incendies del género del suspense/drama, he tardado en verla pero ha merecido la pena.

Para quien no la haya visto, advertir que los primeros 40 minutos de película como he comentado, es todo muy descriptivo. No la dejéis, merece la pena, prestad atención y disfrutar de una obra maestra.

Incendies hace honor a su nombre, a quién la ve le provoca un incendio de emociones que para apagarlo va a tardar.

Como decían en la misma película y con esta cita ya concluyo con la review:

"Una pequeña chispa puede provocar un gran incendio"

Absoluto cine.

Llevaba tiempo queriendo ver esta película pero es lo típico, no encuentras el momento con las obligaciones del día a día.

El día llegó ya que la acabo de ver y esta review es según termino su visualización, sin spoilers.

Vamos a ponernos en contexto. La trama gira en torno al año 1986 en Corea del Sur, en un pequeño y remoto pueblo empiezan a ocurrir violaciones y asesinatos. Es entonces cuando viene un inspector de Seúl la capital del país para apoyar en la investigación policial.

Dejando a un lado la trama y entrando más en lo que la película ofrece, es entretenida de principio a fin. Dura 131 minutos que se te pasan volando ya que constantemente hay giros de guión y nuevos sospechosos. Cuando piensas que el asesino es un personaje determinado, las nuevas pruebas dan una vuelta de 360 grados al caso.

Si algo agradezco de una película de suspense es precisamente esto, que te sorprenda y no parezca tan evidente la trama.

Otra cuestión que me encantó fueron los personajes de la obra y en concreto la evolución que tiene cada uno de ellos. Te los presenta de una forma, con unos principios, una manera de actuar pero el caso los va consumiendo poco a poco y cada uno lo afronta a su manera y como puede, haciendo que trascienda lo profesional y los marque para siempre en lo personal.

El grupo de policías protagonistas son muy carismáticos, cada uno sobresale en algo en específico y se retroalimentan bien, con sus diferencias pero tienen que trabajar en equipo por un bien mayor y común.

La película es un remolino de emociones, hay escenas donde sientes sorpresa, otras tensión, otras tristeza, en otras te ríes de lo disparatadas que es. Hablando del humor, algo que destaco es que la película empieza con una premisa desenfada, incluso cómica pero a medida que va avanzando se torna cada vez más oscura.

Los planos de cámara me encantaron, es arte en estado puro los tiene diversos y muy buenos. Sobresaliendo una de las escenas finales en el túnel.

Puedo llegar a entender que el recurso utilizado para darle el final a la película no sea del agrado del todo el mundo. No entraré en detalles para no caer en el spoiler pero a mí personalmente me gustó, es algo diferente, no tiene porqué ser algo malo.

Por otra parte, me gustó como algunos de los personajes debido a la gravedad del caso se plantea si realmente esa es su vocación, si merece la pena presenciar tanto sufrimiento, si no serían más felices en un trabajo donde no se vea la maldad, lo peor del ser humano. Esta clase de reflexiones en estas películas no se suelen ver, vemos a los policías/inspectores como si fueran máquinas programadas sin emociones que tienen que cumplir con su cometido pero, no se plantean estos temas.

La actuación de los diferentes actores es sobresaliente, ya lo creo que sí y como he dicho, acompañan en todo momento a una trama brillante.

Película del año 2004 que nuevamente demuestra que la industria cinematográfica coreana es muy potente y que no tiene nada que envidiar a producciones de Hollywood, demostrando que en el séptimo arte no todo es el dinero, sino el talento y el ingenio por querer hacer un producto de calidad.

Sin más, una película enormemente recomendada, cumple totalmente con su objetivo y género en el que está situada.

Siempre he pensado que la década de los 90 es mi época favorita del cine, uno de los motivos para pensarlo entre otros es esta entrañable película, "El Indomable Will Hunting"

Pasarán los años y siempre me acordaré de esta película, una de las razones es que tiene escenas con mensajes impactantes, sorprendentes y poderosos que se te quedan grabados a fuego en la memoria.

Pienso que el cine su principal misión es el entrenamiento sí, pero si le sumas esto a material que te toca de lleno el corazón, el combo es simplemente perfecto.

Qué decir que no se haya dicho ya de la pareja de protagonistas. Un Matt Damon en su juventud interpretando el papel de Will, un joven rebelde, conformista pero con una inteligencia de genio. Por otra parte, un Robin Williams que hace el papel de Sean, un psicólogo experimentado que intentará enseñarle el valor de la vida a Will.

Quizás sea una impresión mía, pero Matt Damon de joven me encantaba como actuaba, tenía mucha expresividad y carisma. En cambio con el paso de los años perdió esa chispa que otros actores conservaron o fueron modificando, pero siempre nos quedarán sus memorables actuaciones de juventud que fueron muchas y buenas.

También cabe mencionar al grandísimo Ben Affleck que tiene el papel de Chuckie, un buen amigo de Will. La escena del bar la bordó y pasará a la historia del cine como uno de los mayores zascas y dejadas en ridículo de la historia, al igual que la escena final de reflexión con Will y su propósito en la vida entre otras.

Matt Damon y Ben Affleck son un dúo increíble juntos, tanto en pantalla como detrás de ella. El guión de este film fue obra suyo por lo que ganaron un Óscar.

Volviendo a la película, ahonda en temas como las relaciones amorosas, la amistad, los propósitos en la vida y en general las relaciones sociales. Tenemos para representar dos caras de la misma moneda a dos figuras, la de Will ese joven energético, engreído, arrogante, un genio que lo sabe todo pero realmente no sabe nada porque no ha tenido experiencias reales por miedo a exponerse. Por otro lado, Sean un señor ya maduro, con un recorrido de vida, que sí que ha experimentado lo que es la felicidad plena y la amargura. Ambos se retroalimentan y comparten impresiones e ideas sobre lo que realmente es vivir.

A veces olvidamos, que por estar vivos no quiere decir que estemos viviendo y aprovechando el tiempo, las oportunidades de la vida y nuestra potencialidad, muchas veces por miedos e inseguridades, por salir de nuestra zona de confort, de lo que conocemos, donde nos sentimos acogidos.

Este sentimiento lo supo mostrar bien el film. Todos tenemos miedos e inseguridades, a todos nos gusta los mismos amigos, la rutina, postergar los cambios.

Pero llega el momento donde hay que crecer como personas y para ello se necesitan cambios, dejar personas, vivencias y recuerdos atrás para vivir cambios y buscar eso que tanto ansiamos.

Una de las tantas cosas que nos enseñó "El Indomable Will Hunting" es que la vida es muy corta como para quedarnos con la espinita clavada del:

"Y si lo hubiera intentado, ¿Qué hubiera pasado?"

No, no nos quedemos con ninguna duda, sino con convicciones.

Muy seguramente Cinema Paradiso sea una de las películas más bonitas que he visto. Seguimos la vida de un niño cuyo apodo es Totó, un niño que vive en un pequeño pueblo italiano y que proviene de una familia muy humilde. Se ve a la Italia después de la guerra, los españoles sabemos bien lo que es, ya que también nuestros abuelos pasaron por lo mismo, tiempos de pobreza, hambruna donde la vida era muy difícil.

Totó nuestro protagonista sueña con el cine, es su afición, su primer amor y quiere que su vida gire en torno a él. Para ello le ayuda Alfredo, el dueño del cine de la localidad que le enseña los entresijos del cine, haciéndole enamorar aún más del séptimo arte.

Si tuviera que definir a Cinema Paradiso con una palabra seria con melancolía, dulce melancolía. Melancolía por tiempos pasados mejores, por la infancia, por aquellos vecinos entrañables que siempre estuvieron ahí apoyando a uno y la familia, aquellas comunidades que estaban todos para ayudarse, era como una gran familia más que vecinos. Nostalgia del primer beso, de aquel primer amor, de la primera película que nos marcó, del primer viaje, de las noches de verano, de soñar despierto visualizando tus metas de niño. Nostalgia de las primeras experiencias, que siempre se nos quedarán en el corazón.

Pero también tenemos los recuerdos de las despedidas, como aquella despedida de Totó con su querido Alfredo, despedidas que duelen pero que en ocasiones son necesarias para cerrar etapas y seguir creciendo.

Aparte de los sucesos entrañables y de unos personajes carismáticos, destaco también la banda sonora que es muy emotiva durante todo el film, llegando a la guinda del pastel que es el final.

Y por último, siempre tendré en la memoria ese final en la que se ve a Totó en una sala de cine y ve un contenido que Alfredo siempre recortaba pero que guardó durante años, los besos en el cine. En una época de represión, se perdieron muchos besos por el camino pero recordad que hay algunas cosas que nos hacen sentir vivos, como por ejemplo:

Los besos y el cine, porque nos transmiten multitud de emociones.

Que mejor final que combinar ambos, sin ninguna duda uno de los finales más emblemáticos de la historia del cine.

Por películas así, consideramos al cine un arte. Contenido que te alegra el alma y que conmueve desde la ternura de sus escenas.

Los ojos chico, los ojos nunca mienten. Pero tampoco lo hacen los besos y eso Cinema Paradiso lo supo expresar muy bien.

Watched on Saturday March 22, 2025.

Green Book es de esas películas que no son para todo el mundo. Cuando he hablado de ella con otras personas me han dicho de todo, desde que les ha aburrido hasta que les ha encantado. Es de esos films que fascina o no gusta.

A mí personalmente me encantó.

Es una película muy emotiva que cuenta la historia de un prodigio del piano que sufre continuamente las lacras del racismo interpretado por Mahershala Ali y del personaje Tony Lip un italo americano de malas pulgas protagonizado por Viggo Mortensen.

Si algo que me gusta de Viggo Mortensen es que es un actor que lo ves en cada peli en la que ha estado y parece una persona totalmente diferente, es increíble la capacidad camaleónica que tiene.

La película te muestra el viaje de ambos personajes, haciendo una ruta para que el Doc toque el piano en diferentes puntos del país, pasando por zonas extremadamente racistas donde sufrirán altercados. Lo bonito de la película es que ambos personajes aprenden del uno al otro, al principio se repudiaban porque eran totalmente diferentes hasta que se hicieron amigos e inseparables porque se dieron cuenta que en las malas estuvieron el uno para el otro siempre.

Una historia basada en hechos reales, Green Book es una de esas películas que toca la fibra emocional y que es arte, la considero una imprescindible pero repito, aunque a mí me pareció entretenida de principio a fin, puedo llegar a entender que haya gente que la vea de ritmo lento.

En los diferentes gustos está el encanto.

Dragon Ball Daima es el último trabajo que pudo ser partícipe el maestro Toriyama antes de fallecer.

Dragon Ball, es raro la persona en el mundo que no lo conozca, es el padre del anime, nos marcó la infancia, trascendió y se instauró en nuestra cultura.

Las aventuras de Goku y sus amigos recorrieron todas las partes del mundo haciéndonos felices. Da igual de donde seas, si de Japón, Rusia, España, Argentina ni tampoco la edad... Dragon Ball nos enamoró. Es como ese primer beso, siempre tendrá un lugar en nuestro corazón y será especial.

Esta obra en concreto de Dragon Ball Daima me la vi semana tras semana en Netflix. Esperaba a que llegase el viernes para ver un nuevo capítulo. Desde el principio me encantó el concepto, me recordó la esencia de los primeros capítulos a una mezcla entre Dragon Ball GT y Dragon Ball original, esa exploración con tintes de aventura, recorriendo y conociendo los distintos mundos demoníacos me fascinó.

Cuando éramos niños en la saga de Majin Buu, sabíamos de la existencia de este mundo demoníaco pero jamás lo vimos. Tantos años después y ya por fin pudimos hacerlo, conociendo a nuevos y carismáticos personajes que residen en él.

Por supuesto no podía faltar el reunir las bolas de dragón, una búsqueda emblemática de la saga Dragon Ball.

El clímax final de la obra llega en los últimos capítulos en los que el grupo comandados por Goku y Vegeta llegan hasta el palacio del Rey Demonio Gomah, que fue el culpable de que se conviertieran en niños. Aquí Daima pasa de esa exploración típica de GT a acción y peleas frenéticas más comunes en Z algo que también se agradece. Gomah gracias al tercer ojo demoníaco se convierte en un villano a la altura y de temer, la animación de las peleas es tremenda y ver a Goku SS 4 y Vegeta SS 3 por fin canon, fueron los mejores regalos que nos pudo dar Toriyama antes de partir.

Sin más como era de esperar, nuestros amigos logran salvar a todos y vuelven a la Tierra. Se nos queda una sensación agridulce, queríamos más aventuras en Daima pero las que tuvimos fueron de calidad.

Por otra parte otro punto a destacar fue el humor, habían partes buenísimas, un humor directo y sin filtros que te deja descolocado por lo impredecible y te ríes muchísimo sobre todo con Goku niño y Vegeta-Bulma.

Dragon Ball Daima, otra gran parte del universo de Dragon Ball, ahora toca esperar lo próximo, ya Toriyama no está pero su obra ha quedado en buenas manos con Toyotaro.

Gracias maestro Toriyama por hacernos tan felices con Dragon Ball y estar continuamente sorprendiendo, descanse en paz.

Watched on Saturday March 15, 2025.

Watched on Thursday March 13, 2025.

This review may contain spoilers.

Tenía el cosquilleo con esta película debido a los memes que se ven por redes sociales de la famosa escena de la tienda de discos o en el ascensor, así que decidí vermela.

No, esta no es la típica comedia romántica. Os digo algo, la comedia romántica no es mi género favorito pero son pelis agradables de ver pero 500 días con Summer es así hasta llegar a un punto, después de ello la comedia romántica se transforma en un dramón.

Es una película que te deja roto. Ves toda la relación desde un comienzo, desde que son compañeros de trabajo, amigos y pareja. Ves la evolución de la relación haciendo saltos en el tiempo, desde los momentos felices hasta los amargos de la separación. Es un contraste jodido de ver, siempre he pensado que ojalá existiera un botón para revivir los momentos felices con personas determinadas, estoy seguro que Tom el protagonista pensaría lo mismo.

Todo esto para finalmente, Summer prometerse a los poco meses con otra persona después de romper con Tom. Una persona que no quería compromiso alguno, de repente cambia radicalmente porque conoció a la persona indicada. Y que queréis que os diga es entendible y respetable, pero para la otra parte que tiene que vivir todo eso, es como tener un agujero en el corazón.

Finalmente la película nos muestra como Tom conoce a una nueva chica, con la que queda. ¿Será por fin su media naranja, su amor ideal? No lo sabemos, eso queda en la imaginación de cada uno, es un final abierto algo que para esta película agradezco.

500 días con Summer, una película con un buen reparto, entretenida de principio a fin y sobre todo me gustó que es una película adulta. No todas las películas románticas deben acabar bien, con un final feliz, juntos para siempre. La vida no es así, es muy complicado que eso suceda actualmente y este film lo refleja a la perfección. Hay personas que llegan a tu vida pero no para quedarse, sino para marcarte para siempre y hacerte crecer personalmente.

En el desamor también tiene su belleza, es una etapa más de la vida que debemos vivir, sentir y superar.

Sin más, un auténtica obra maestra que te remueve, ver la evolución del protagonista de un tipo jovial a alguien amargado por el desamor es terrible, para finalmente verlo resurgir nuevamente como el ave fénix.

El tiempo todo lo cura y, un clavo saca a otro clavo aunque jamás olvidemos a determinadas personas.

Tenía miedo de ver esta peli, lo ito. Cuando ves algo tan bueno como la primera Blade Runner cuyo protagonista fue Harrison Ford, tienes miedo a ver su continuación por temor a que no esté a la altura y te defraude.

Nada más lejos de la realidad. Blade Runner 2049 es un soplo de aire fresco necesario a la saga Blade Runner. Su director Denis Villeneuve nos tiene acostumbrados en sus películas a una fotografía muy bonita de ver, algo que no fue una excepción en Blade Runner 2049, es fascinante irar la puesta en escena del entorno de este film.

Ryan Gosling hace una actuación espectacular, es uno de esos actores versátiles que engrandecen cualquier producción.

Siempre nos quedará esa emblemática estampa de Gosling mirando bajo la lluvia a su "novia" virtual en una publicidad en medio de la calle, historia del cine.

Blade Runner 2049, si quieres ver dosis de acción, apreciar un film bonito de ver y sentir la soledad personificada, esta película cumple y con creces.

El final deja una sensación de vacío terrible.

Y sí, por películas así soy un enamorado del cine.

El cine bélico me gusta pero no es una de mis debilidades en cuanto a género se refiere. Si tengo que anteponer una película de guerra a una por ejemplo de suspense, no dudaré en hacerlo.

Sinceridad vi en su momento novedad en el frente porque era muy sonada, así que decidí darle una oportunidad.

Cumplido con mis expectativas y las sobrepasó enormemente.

Novedad en el frente no es una película cualquiera, es una película hecha con emoción, pasión, sentimiento. Se percibe al verla, al ver la evolución de su protagonista, de ser un joven lleno de vitalidad, ingenuo, ilusionado con la idea de defender a su país en el frente, a ser directamente un joven muerto en vida, descorazonado al haber visto a sus amigos morir uno tras otro hasta llegar a la conclusión que las guerras no sirven para nada.

Los ojos chico, los ojos nunca mienten. En el caso de Paul Baumer tampoco, unos ojos llenos de vida antes de la guerra, con un azul claro, vibrantes que después de ver tanta sangre correr y miseria, ese azul se apagó para volverse oscuro, oscuro como el alma de muchas personas que incita a la guerra a jóvenes inconscientes con toda la vida por delante, a morir en cualquier trinchera olvidados por todos.

Hay más cosas de las que nos unen de las que nos diferencia, las guerras sean el bando que sean, son un sinsentido y en Sin Novedad en el Frente se refleja de un forma sublime.

Los sucesos de la vida pueden convertir a una persona noble, justa y buena en el mismísimo diablo cuando le tocan lo más preciado:

Su familia.

Cualquier persona que está en Letterbox conoce a la película Seven, o al menos la debería conocer ya que es un clásico del cine. Ya sabéis, la mítica película del año 95 protagoniza por Brad Pitt, Morgan Freeman en el que el asesino serial era un brillante Kevin Spacey y dirigida por el maestro David Fincher.

Todos sabemos el final de Seven, en el que el detective David Mills abre la caja y se encuentra con la cabeza de su mujer para acto seguido matar de un disparo a John Doe. Una muerte fácil y rápida para un acto de tal maldad.

Ahora imaginad, que David Mills en vez de matar a John Doe, consigue secuestrarlo para aplicarle la peor de las torturas para hacerlo sufrir lenta y dolorosamente, para que pagase por todos sus crímenes.

De esto precisamente trata esta película, de un agente secreto que pierde a su mujer a manos de un asesino serial, descubre quién es y se convierte en algo inmensamente peor que él para aplicarle una vida llena de dolor, miedo y desesperación. Es una película muy dura, con escenas impactantes y giros de guiones que te dejarán loco.

Como he comentado es una película muy parecida a Seven pero muchísimo más bestia en mi opinión, es demasiado algunas escenas, gore a raudales y desquiciantes.

El final, una auténtica oda al cine.

La conclusión es que cuando llevas a una persona buena a su límite, se puede convertir en un auténtico monstruo que hará lo que sea por venganza e imponer su propia justicia.

Muy entretenida de principio a fin, no dejará indiferente a nadie eso seguro.

Joya muy desapercibida.

Estamos en el año 2025, hace 12 años que Her vio la luz. Una película, que nos muestra una sociedad muy similar a la nuestra o al menos es la sensación que me produjo. Es una sociedad individualista, donde todo el mundo va corriendo de un lugar para otro como si el mundo se fuera a acabar sin percatarse de las personas que tienen alrededor, una sociedad enferma por el estrés del día a día y con graves carencias afectivas, sociales y relacionales.

Theodore es el protagonista de este film, interpretado magistralmente por el maestro Joaquín Phoenix que una vez más demuestra su enorme adaptabilidad/polivalencia a cualquier papel.

Theodore tuvo durante años una relación, en la película podemos ver sus momentos más felices pero también la amargura del desamor y como esta pareja, acaba rota.

Theodore acaba por ello bastante tocado sentimentalmente hablando y sorpresa, se enamora paulatinamente de una inteligencia artificial. La película se desarrolla lentamente, mostrando la relación de Theodore con esta inteligencia artificial y los obstáculos que presentan.

No me malinterpreten, Her es una grandísima película, entretenida, diferente, con su propio broche personal, pero...

¿Sabéis que sensación me dejó Her? De soledad, vacío e inquietud. Theodore puede ser perfectamente cualquier persona, con un trabajo monótono que busca refugio sentimental en una inteligencia artificial. En aquellos 2013 parecía ciencia ficción, pero actualmente en pleno 2025 con el auge de la IA, parece que está más cerca que nunca.

Jamás perdamos eso que nos hace ser seres humanos, somos animales sociales y por ello debemos seguir relacionándonos, aunque sepamos que la gente tienda a defraudarnos y hacernos daño.

Más vale sentir que no sentir nada y vivir en una mentira.

Normal People hace honor a su nombre. Trata de la historia de una chica y un chico que se conocen desde el instituto y se ve su evolución con el paso de los años, tanto de su relación como de ellos mismos. Es una historia realista, normal que nos puede ocurrir a cualquiera. Ahí reside el poder de Normal People, que es tan realista los sucesos que el espectador se siente identificado con muchas cosas de la serie.

Normal People muestra la esencia del ser humano, somos contradictorios, hipócritas, confusos, inconformistas, cobardes y en ocasiones rastreros. Pero también tenemos luz, también tenemos un lado bueno, también podemos hacer feliz a esa persona que nos ama.

Lo que me gusta de Normal People es que es tranquila, es una historia adulta. No es como Élite o por trece razones que son extridentes y llega el momento en el que quieren estirar tanto el chicle que la obra ha perdido totalmente la perspectiva. Normal People dura lo que tiene que durar y aunque deja en el espectador una sensación de vacío existencial cuando termina, también te sientes reconfortante y agradecido con haber visto algo así, te sientes en paz porque comenzó pero también terminó cuando lo tenía que hacer, sin caer en subtramas absurdas con el fin de alargar lo inevitable, el final.

Normal People, no la terminas, ella te termina a ti.

No es una película apta para todo el mundo. Así son las películas de Robert Eggers y hace su cine tan especial, que no todos poseen la sensibilidad suficiente como para que te guste. Esta Nosferatu fui al cine a verla y no me defraudó en absoluto. Es más, es tan buena que lo que pagué por la entrada me pareció barato. Una historia que engancha, gran banda sonora, una ambientación lúgubre, oscura, tenebrosa. Yo no considero esta película de terror como tal, va más allá, calificarla como una simple película de terror sería hacerle un flaco favor. Tiene escenas emblemáticas, un buen guión, una excelente fotografía y efectos especiales. En fin, un peliculón con mayúsculas, algo diferente que da riqueza a este noble arte que es el cine.

Esta serie es buenísima por algunas razones que explicaré a continuación. Para empezar, está basada en hechos reales, el protagonista es la persona que vivió el acoso que se muestra en la serie, por lo que al recrear algunos momentos traumáticos que pasó, lo hace de forma espectacular, actuaciones que no lo son porque lo vivió y transmite muchísimas emociones.

En segundo lugar, es el contenido que más vergüenza ajena e incomodidad me ha generado, algunas escenas son tan disparatadas, donde se muestra la denigrancia humana en todo su esplendor, que he tenido que poner el pause. Pero oye, son sensaciones más y están bien sentirlas y sobre todo con tanto énfasis, siempre he dicho que lo que me gusta de una peli/serie es que te hagan sentir de todo menos indiferencia.

Por último, me ha gustado que se muestre al ser humano como es, un ser complejo, contradictorio, irracional, imperfecto, incomprensible en situaciones, inmoral, en constante cambio y evolución.

Grandísima serie que sobre todo engancha y mucho algo que hoy en día es difícil de encontrar.

Realmente Drive tiene una historia muy simple: Chico le gusta una chica y hará lo que sea por ella. Chica le gusta chico pero está muy confundida en su vida y no le da oportunidades para ir más allá. ¿Cuál es el fuerte de Drive? Una banda sonora espectacular, un Ryan Gosling ultra carismático aunque su personaje no tenga mucho diálogo, solo por ver esas miradas, sus movimientos y esa chaqueta del escorpión en la espalda es cine. Hay que entender que es una película de bajo presupuesto y aún así lo bordó por completo porque cumple con creces y supera las expectativas. Entretenida, transmite emociones y tiene momentos memorables.

Que más se puede pedir.

Quentin Tarantino es a nivel general mi director favorito, recuerdo que cuando fui a ver Érase una vez en Hollywood fui con ilusión. Voy a ir directo al grano: ¿Es mala película? En absoluto, tiene un elenco de actores de lujo, DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie. Hablando de los actores, ver a DiCaprio y Brad Pitt juntos es un auténtico espectáculo pero en esta ocasión para mí la actuación de Pitt es soberbia, se come la pantalla, carisma absoluto. Aunque, DiCaprio como de costumbre tiene chispazos memorables de genialidad con escenas que el mismo improvisa y surge la magia. Margot Robbie en su línea, sobria en el sentido que todo lo que hace es bueno, es una gran profesional.

Volviendo a la trama de la película, hay dos factores que penalizan a Érase una vez en Hollywood: La primera es que es una americanada absoluta. Es decir, que hay muchos clichés que los norteamericanos entenderán pero el resto del mundo no, algo que el espectador que no se ha criado en el país no entenderá muchas referencias como es lógico y se queda en tierra de nadie. La segunda penalización viene en uno de los diamantes sin pulir de la película en mi opinión Tarantino no supo exprimir, la trama de Charles Manson. Se le menciona pero todo para ver a 3 pelagatos inútiles que son un esperpento, para lo único que sirvieron fue como fácil carnaza para la mítica escena del lanzallamas de DiCaprio, una escena muy tarantinesca, donde todo explota y la acción desenfrenada es la reina del caos.

Dentro de la filmografía de Quentin Tarantino es la película que más se sale del estilo prefijado y forjado a fuego durante décadas, pero tiene su encanto por supuesto. Además como he dicho anteriormente, rara vez ha coincidido en la misma película dos bestias de la interpretación como Brad Pitt y DiCaprio, solo por ello es de obligada visualización.

Si soy un enamorado del cine es por películas como Oldboy. Me explico, para mí el cine es que me transmita sensaciones, emociones, experiencias, anécdotas asombrosoas que contar/recordar. Oldboy cumple con esta premisa al pie de la letra ya que tiene el giro argumental que peor cuerpo me ha dejado y más me asombró. También debido a la revelación de su final te das cuenta, que el director pretende mostrar que el ser humano puede llegar a hacer auténticas monstruosidades retorcidas por venganza y que el mal no conoce límites en lo moral. Venganza muchas veces sin fundamento, solo por intentar suavizar/justificar el dolor con más odio y daño.

Oldboy es una película curiosa, empieza en su primera escena presentando al protagonista como un auténtico bufón, pero la evolución que experimenta el personaje debido a las experiencias que vive es brutal. Tiene una fotografía el film 10/10 y escenas que ya han pasado a la historia del cine. En una época en la que se estrenó Oldboy en la que los grandes éxitos mundiales se reducían a la industria de Hollywood, Oldboy fue como un oasis en el desierto, algo fresco, innovador, ya se presentía que la industria cinematográfica coreana iba a ser muy potente.

Sin más, Oldboy es una joya pero eso sí, pienso que es una película fuerte, no apta para cualquiera, pero los que la sabemos apreciar, es una obra maestra.

Ay Casino. La película que le dio su ansiado Óscar al gran Robert De Niro. ¿Merecido? Totalmente se marca como de costumbre un papelón pero al igual que Al Pacino, Di Caprio entre otros, comparten que obtuvieron la estatuilla por un papel que no fue su estelar en su filmografía. Pero en fin, lo importante es que lo obtuvo. Entrando en la película en sí, Casino tiene un recurso que para la época era algo innovador: Empieza por el final. Lo primero que ves en el film es a Ace (protagonista y protagonizado por De Niro) en problemas. ¿Pero como llegó a esa situación? Es la gran pregunta que todos los que hemos visto Casino nos preguntamos y es el gran poder de este recurso cinematográfico, que engancha al espectador. La sinopsis es simple, en la década de los 70, las Vegas estaba empezando a florecer, es entonces en el que Ace un experto apostador, es elegido por la mafia de su localidad natal para regentar un casino... Con todos los problemas personales y profesionales que acarrea tal gran encargo. Aquí entramos en un triángulo de poder, tenemos por una parte a De Niro, al grandísimo Joe Pesci que como no interpreta a un matón de poca monta muy violento que ve en las Vegas el lugar perfecto para crecer ya que no hay crimen organizado como tal y él ve una oportunidad para implementarlo cueste lo que cueste. Por último tenemos a Sharon Stone, que interpreta a la mujer de Ace, la figura femenina del film, una persona normal que da la visión del espectador ante la corrupción, crimen y delitos que vi continuamente y el como puede afectar y degenerar a una persona. Casino es una película de mafia pero no al estilo Goodfellas, El Padrino o Scarface, es muchísimo más sutil todo pero increíblemente entretenida. Además que De Niro haciendo el papel de Ace es increíblemente carismático, uno de sus papeles culmen sin duda. Otro film exitoso del gran Martin Scorsese, como no amar a este hombre, patrimonio de este arte que es el cine.

Prey fue una agradable sorpresa como fan del universo Depredador. Ambientada en la época de cuando en Norteamérica existían grandes poblados de indios americanos, en esta ocasión el depredador acude para enfrentarse tanto a los nativos como a los vaqueros, al invasor de las tierras de los apaches. Una película con muy buena fotografía, entretenida, buenos efectos especiales. ¿Supera a la primera y emblemática película de la saga Predator? No, pero personalmente la pondría después de ella en cuanto a calidad general. Es cierto, que la segunda película es emblemática por determinadas escenas y que la tercera pese a que no respetan partes del lore de los depredadores, me encantó la trama que en esta ocasión eran los humanos (y no cualquier tipo de humanos sino asesinos de guerra experimentados de diferentes nacionalidades) quiénes acudían al planeta de los depredadores y no venía el depredador, dándole otro enfoque atractivo a la saga. Ambas películas, tanto segunda como tercera aunque tengan chispazos de excelencia, a nivel general no son consistentes. En cambio, esta Prey sí que lo es de principio a fin, como la mítica primera película que dio pistoletazo a la saga teniendo al gran Arnold Schwarzenegger como su protagonista. Esta película me ha dado esperanzas de que la saga no está muerta y que tiene futuro por delante, ¿Veremos en algún momento al depredador contra los romanos, espartanos, en el japón feudal contra los samuráis? Algo que tendría sentido con lo que simboliza el depredador de querer enfrentarse a los más fuertes. El tiempo dirá pero material tienen para trabajar. Este Prey ha sido un gran nuevo nacimiento, sin duda.